Críticas
Director: Pedro Almodóvar
Siendo la última película del director manchego en la que trabajó con Carmen Maura, Volver se convirtió ya en el 2006, año de su estreno, en una de esas obras que marcan época en nuestro cine. Más de 15 años después, el filme protagonizado por la actriz madrileña envejece como el buen vino, siendo una de las principales producciones de la filmografía de Pedro Almodóvar.
Con un increíble elenco de actrices nacionales que un hoy en día siguen siendo de las principales exponentes del séptimo arte nacional, como son Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo, la ya citada Carmen Maura o Yolanda Ramos. Y un discreto protagonismo de Antonio de la Torre, el mítico director manchego narra la historia de una mujer, harta de aguantar actitudes machistas de su pareja, le asesina y huye a su pueblo donde encuentra en la casa de su, presuntamente, madre difunta, la presencia de alguien que apunta que podría ser su propia progenitora.
Esta delirante historia ambientada entre Madrid y un pequeño pueblo de Castilla la Mancha, dos rasgos que caracterizan al cine de Pedro Almodóvar, reúne unos cuantos ingredientes que la convierten en una cinta con tintes de humor, pero también de drama y crítica social.
Lo inverosímil de su trama, pero lo creíble que resulta, es lo que hace que sea un gran filme que atrapa al espectador y la encumbra, como ya hemos dicho, como una de las joyas de la filmografía del director. Además, es obligatorio decir desde luego, que sería difícil conseguir una historia así, creíble y entretenida, si no se contase con un reparto con actrices de la talla de las que la protagonizan.
La crítica es grandiosa. Claro esta que ni hace falta decirlo teniendo en cuenta que está nominada a un Oscar, como mejor actriz para Penélope Cruz, y dos Globos de Oro, también mejor actriz y mejor película de habla no inglesa. Por supuesto fue la gran triunfadora del año 2006 en las galas de cine tanto de España como europeas. El mejor reflejo de lo que supuso la película en ese año y resumen de la crítica es lo que dijo Carlos Boyero para El Mundo: “Me parece una hermosa película. Todas las actrices están perfectas, pero lo más sorprendente es la recuperación de Penélope Cruz en una interpretación excelente, a la altura de la que realizó en "La niña de tus ojos".
Volver (2006)
Director: Jon Garaño y Aitor Arregi
Los directores vascos Jon Garaño y Aitor Arregi trasladan a la gran pantalla una historia inspirada en una familia real del siglo XIX, en la que Martín, un joven vasco va a luchar en la primer Guerra Carlista. Cuando vuelve con su familia, descubre que su hermano pequeño no ha parado de crecer desde la última vez que le vio y es mucho más alto de lo normal. Para aprovechar esta anomalía que sufre su hermano, decide presentarle como un gigante y viajan por todo Europa cobrando a los habitantes de cada población por mostrarles al gigante, su hermano. La ambición, el amor y las relaciones familiares crearan algunos problemas en la relación fraternal.
Una película de época con un tipo de trama a lo que no acostumbramos en nuestro cine. No solo pretende conmover al espectador, con unos personajes muy profundos y una historia muy emocional, también consigue entretener y generar una belleza visual. Uniendo todos estos aspectos podemos apreciar que estamos ante un gran filme.
A pesar de que se ilustra en un escenario y con unos protagonistas ambientados hace dos siglos, los directores pretenden mostrar la falta de sentimientos y escrúpulos con algunas personas, por el hecho del aspecto físico, algo que sigue sucediendo en la actualidad. Además, el hecho de que sea inspirada en hechos reales, y por lo que cuentan las crónicas de la época, se ajusta mucho a la realidad, suma aun más valor a la producción de los directores vascos.
En mi opinión, Handia no es solo un gran filme por la belleza estética de la película y la historia que transmite al espectador, sino porque ha conseguido maravillar al gran público y movilizar positivamente a la crítica, con un producto al que no acostumbramos en la industria cinematográfica de nuestro país. De tal forma llegó a ser nominada hasta en 13 Goyas, ganando 10 de ellos, entre los que estaba mejor película.
Además de triunfar en otras galas, los premios también van acompañados con una gran crítica generalizada, en la que el único aspecto negativo que podemos ver que tiene un ritmo lento y es demasiado predecible, como publica Jonathan Holland para The Hollywood Reporter. Una crítica con la que personalmente discrepo, considerando que tiene la tensión necesaria en cada momento para que el espectador mantenga el interés, pero sin verse sobrepasado.
Handia (2017)
Director: Alberto Rodríguez
Este galardonado film de Alberto Rodríguez estrenado en 2014, está ambientado en un pueblo del sur de España a principios de los 80, donde viven anclados a un pasado de dictadura y represión. Dos policías muy distintos, sobre todo ideológicamente, en lo que son opuestos, son destinados desde Madrid, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. Así, tendrán que investigar entre las marismas del Guadalquivir, y enfrentarse tanto al caso que le has sido encomendado como a algunos fantasmas del pasado, que todos los adultos tenían en esa época.
Entre el reparto encontramos grandísimos nombres del cine español y que 7 años después de estrenarse la película, cuando estoy escribiendo esta crítica, la gran mayoría se ha consolidado como los mejores exponentes de nuestro cine. Así con un elenco que cuenta con Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, o Raúl Arévalo, Tanto el actor protagonista, Raúl Arévalo, como Alberto Rodríguez , el director, ganaron sus respectivos Goyas, además de otros 8 entre los que se encuentra el de mejor película. Las nominaciones eran un total de 17, convirtiéndose así en una de las películas más nominadas de la historia de la gala.
Es un filme triste, que no se debe ver si tienes un mal día, pero que desde luego debes ver si eres amante del buen cine. Crea un cóctel de realidad, crítica social, misterio y drama que consigue crear una de las mejores películas de la última década de nuestro cine. Con un ritmo lento cuando la trama lo pide y hecho con el tacto necesario para tratar una temática como esta, se consigue que el espectador acabe maravillado con una historia, que como ya he dicho, es verdaderamente dura. Desde luego cabe destacar que sin la magnífica interpretación de los dos policías de Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo, la película no podría ser la obra maestra que es. Perfectamente se podría resumir la interpretación de ambos con una palabra: sublime.
La producción del director sevillano no solo ha sido reconocida en las galas de premios, en las que además de en los Goya como ya hemos comentado, también triunfo en la del Cine Europeo, en el Festival de San Sebastián, en los Feroz o en los Forqué; sino que además en la crítica son muy pocos los que se atrevieron a ponerle una pega. Así como vemos en la crítica de Jordi Batlle Caminal para la Vanguardia.
La isla Mínima (2014)
Director: Oriol Paulo
En 2016 Oriol Paulo nos presenta Contratiempo, una película protagonizada por Mario Casas, Ana Wagener, Bárbara Lennie y José Coronado. El film nos transmite la ficción de un exitoso y joven empresario que un día se despierta en el suelo de una habitación de hotel, sin recordar nada y con el cadáver de su amante. Tras ser acusado de asesinato, para evitar la cárcel, contrata a la mejor preparadora de testigos del país.
Durante la película asistimos a toda esta preparación en la que el protagonista comienza a recordar algunas cosas de aquella noche. Además, a parte de evitar que le declaren culpable de un crimen en el que prácticamente todas las pruebas apuntan a él, también tiene que lidiar con que el supuesto crimen se realizó mientras ambos, tanto el supuesto asesino como la asesinada, estaban siendo infieles a sus respectivas parejas, lo cual complica mucho más la defensa, ya que no solo hay algunos detalles de los que no se acuerda, sino que también hay otros que prefiere no mencionar.
Durante todo el film vemos una rocambolesca trama que obliga al espectador a hacerse continuamente una idea equivocada de quien es el culpable. Al más puro estilo de Hitchcock, el director realiza un juego detectivesco en el que mezcla la intriga y el miedo psicológico. De tal forma, el espectador empatiza con los protagonistas, según en que momento, con uno o con otro, hasta tal punto que se siente un personaje más de la película. Como no podría ser de otra manera, el final culmina con otro giro, aún más inesperado que cualquiera de los anteriores y que cambia por completo el roll de la película.
Bajo mi punto de vista es una gran película, en la que la trama es tan buena que es prácticamente imposible plasmarla en la pantalla, y ahí es done está su gran problema. Con tantos giros y desvaríos durante la historia, por momentos se hace difícil de seguir y aunque es cierto que durante muchos momentos empatizas con los personajes, hay en otros en los que el espectador está completamente perdido.
La crítica es realmente mala. A pesar de que, en mi opinión, es cierto que tiene grandes fallos que complican mucho el disfrute de la película, la crítica me sorprende por lo dura que es con la producción. La gran mayoría apuntan precisamente lo que comentaba en el anterior párrafo: el exceso de todo y el ritmo demasiado rápido. Sin embargo, a mi parecer, también tiene muchas cosas buenas que no se valoran. Un gran resumen de la crítica es la valoración de Javier Ocaña para el País, que apunta que “…hay una gran cantidad de inverosimilitudes y casualidades forzadas”.
Contratiempo (2016)
Director: Pedro Almodovar
El director manchego nos presenta en este filme, con el que consiguió su cuarto Goya a mejor película, la historia de Salvador Mallo, un director de cine que con un gran desgaste vital, físico y mental. El espectador asiste a su infancia, en el Valenciano pueblo de Paterna, y su juventud en el Madrid de los años 80, a través de Flashbacks donde el protagonista vive sus primeras experiencias y lidia con algunas circunstancias personales, como la droga o la homosexualidad, en cierto modo causantes del agotamiento mental en el que vive.
Con el protagonismo de Antonio Banderas, acompañado en el reparto por Asier Etxeandia o Penélope Cruz entre otros, ha sido uno de los grandes éxitos del cine español del 2019. Además de los 7 Premios Goya con los que ha sido galardonada, entre los que figuran mejor película, guion, actor protagonista y director, también fue nominada al Oscar a mejor película, vencida por el ya histórico filme coreano Parásitos.
En mi opinión, Almodóvar vuelve a contar una gran historia a través de su experiencia vital. Con muchas menos excentricidades y personajes inverosímiles que en otros de los títulos de su filmografía, consigue componer la vida de un personaje que, sin ninguna acción ni suceso demasiado llamativo, consigue por completo atraer y conmover al espectador con una explosión de emociones. Todo esto por supuesto que la excelente interpretación de Antonio Banderas, quien sin ninguna duda me atrevo a decir que roza la perfección.
Otra de las cuestiones que el filme traslada al gran público es las similitudes que se encuentran entre la vida del protagonista y el Propio Almodóvar. Cuando ha sido preguntado sobre esto ha respondido que no es su retrato, pero si se podría decir que un alter ego.
Enrique Marchán
Director: Dani de la Orden
Dani de la Orden vuelve a la gran pantalla, tras el gran éxito de su última película El verano de tu vida, el 14 de febrero estrenó una comedia romántica titulada Hasta que la boda nos separe. Basada en una película francesa de 2017 que se presentó aquí en España como La wedding planner, la protagonizan unos expcecionales Silvia Alonso y Alex de la Iglesia. Además, cuenta con la colaboración de muchos actores y cómicos muy reconocidos en nuestro país como Adrián Lastra, Leo Harlem, Antonio Resines, Ernesto Sevilla, Salva Reina o Belén Cuesta entre otros.
Esta comedia anti romance, género con el que se podría definir a la película, cuenta la historia de Marina, Una wedding planner, que tras enrollarse una noche en una de las bodas que organiza con Carlos, un chico que conoce esa misma noche, por un cúmulo de sucesos tendrá que organizar la boda de Carlos con su novia, una amiga de Marina de la infancia.
Realmente, a titulo personal, es la típica película española que sigue un patrón de bromas ingeniosas, pero sin presentar absolutamente nada nuevo. Eso sí, para pasar un buen rato entretenido es perfecta. Lo más positivo son el elenco de actores que tiene, lo peor lo manidas que están este tipo de historia en nuestro cine, y no se sale de ese guión establecido para las ‘españoladas’ en ningún momento.
Sin embargo, como suele ser costumbre en estas películas, ha sido un éxito de taquilla habiendo recaudado más de 200 mil euros en sus dos primeras semanas.
Enrique Marchán
Hasta que la boda nos separe (2019)
Dolor y gloria (2019)
Director: Jon Garaño, Aitor Arregui y Jose Mari Goenaga
Protagonizada por Belén Cuesta y el gran Antonio de la Torre, la dirección ha sido compartida, entre los vascos Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga.
Los tres directores vascos nos cuentan la historia de un matrimonio, Higinio (Antonio de la Torre) y Rosa (Belén Cuesta), una joven pareja recién casada cuando estalla la Guerra civil española. Higinio, claro defensor del bando republicano, cuando entran los nacionales en el pueblo se ve obligado a esconderse en un zulo que hay en su casa para evitar que le detengan. Lo que no sabe es que deberá permanecer oculto durante más de 30 años. Así, la convivencia con la mujer y la dificultad de permanecer tantos años escondido ponen a prueba el amor del matrimonio y la propia vida de Higinio.
La película está basada en la historia en la historia real de algunos supervivientes que han contado su experiencia y permanecieron tras la guerra escondidos en sus casas hasta la Ley de Amnistía del 69.
Sencilla, con la idea clara y angustiosa sería la definición. Una nueva perspectiva de un campo en el que creíamos que ya estaba todo inventado, como es la Guerra Civil. Además de nueva, puedo afirmar, sin lugar a dudas, acertada. Sin discusión ideológica, ni apenas planos exteriores, hace la radiografía perfecta del transcurso de la Guerra civil española y la primera mitad de la dictadura.
Desde luego es obligatorio mencionar la sublime actuación de Antonio de la Torre y Belén Cuesta. Interpretación que le valió para el Goya a mejor actriz protagonista la segunda. De la Torre se tuvo que conformar con la nominación. También cabe destacar la genial caracterización. En una película en la que el maquillaje tiene el duro papel de hacer que parezca que han pasado 30 años por los protagonistas, se ha demostrado que el modo tradicional de caracterización, como es el maquillaje, si se hace bien puede ser muy válido. Esto lo digo en un año en el que un director como Scorsese ha probado las nuevas tecnologías para conseguir este efecto de envejecimiento, con un resultado no demasiado positivo.
Enrique Marchán
La trinchera infinita (2019)
Director: Alejandro Amenábar
Alejandro Amenábar, narra el inicio de la Guerra civil Española desde el punto de vista del célebre escritor Miguel de Unamuno, que como muchos otros intelectuales de la época no tenía una ideología bien definida y no quería darse cuenta de la gravedad del alzamiento del bando nacional. Así a través de un comunicado como rector de la Universidad de Salamanca llegó incluso a apoyar el alzamiento.
Pocos días antes del estreno de la otra película sobre la guerra civil estrenada en 2019, La trinchera infinita, Amenábar estrena esta película en la que también le da un enfoque distinto, nunca antes explorado en el cine, al principal confrontamiento bélico del último siglo en nuestro país. Con algo más de acción que la película de los directores vascos, mientras que dure la guerra también evita mostrar la lucha de trincheras, asistiendo al enfrentamiento desde la posición de los intelectuales de la época y políticos. Este enfoque me parece muy acertado y atractivo para el público en un momento en el que el confrontamiento ideológico es el día a día en nuestro país.
Con una magnífica ambientación y la soberbia actuación de Karra Elejalde como Miguel de Unamuno, cabe destacar también a Eduard Fernández interpretando Millán Astray, la película no pierde la tensión en ningún momento de las 2 horas que dura.
Criticada desde algunos sectores por sesgar ideológicamente el inicio de la guerra, en mi opinión es bastante fiel a la historia, teniendo en cuenta que solo se analiza las zonas dominadas por el bando franquista.
Enrique Marchán
Mientras Dure la Guerra (2919)
Director: Salvador Simó
París, 1930. Salvador Dalí y Luis Buñuel son las principales figuras del movimiento surrealista, pero Buñuel ve cómo se le cierran todas las puertas después del escandaloso estreno de La Edad de Oro, su primera película. Cuando su buen amigo, el escultor Ramón Acín, compra un billete de lotería que sale premiado en la Lotería de Navidad, promete al artista que pagará el documental que Buñuel quiere rodar sobre Las Hurdes, una de las regiones más pobres y olvidadas de España. Una historia de amistad, un episodio fascinante de la historia de cine y un viaje donde Luis se convierte en Buñuel. La película narra la grabación de se segunda película, el documental Hurdes, Tierra sin pan.
A través de la animación, Salvador Simó crea un retrato del genio y referente del surrealismo, en el que de se preocupa más de dar la imagen real del artista, que en transmitir una buena sensación del personaje hacia el espectador. Además, nos transmite, o por lo menos es lo que se pretende, mostrar la dificultad de que puede llegar a tener el rodaje de una película.
Enrique Marchán
Buñuel en el laberinto de las tortugas (2019)
Diecisiete (2019)
Director: Marcel Barrena
En 100 Metros Marcel Barrena lleva a la gran pantalla la historia de Ramón Arroyo, quien es interpretado por Dani Rovira. Es la historia de un hombre de menos de 40 años que lleva una buena vida familiar y un día, tras sufrir varios fallos en sus piernas, es diagnosticado de esclerosis múltiple. Le dicen que en un año no podrá ni recorrer más de 100 metros, pero decide plantarle cara a la enfermedad y junto a su mujer y su suegro se entrena para participar en un Ironman, una de las pruebas deportivas más duras del mundo.
A Dani Rovira le acompañan en el protagonismo Karra Elejalde y Alexandra Jiménez. Una película que visibiliza esta enfermedad cumpliendo a la perfección el papel de divulgar hasta tal punto que se le olvida su principal función: ser película. En muchas ocasiones lleva lo emocional a lo exagerado centrándose en conmover al espectador y sin tener para nada en cuenta la trama. Es cierto que la película, pese no ser en mi opinión muy buena, es entretenida y se pasa un buen rato.
La crítica no es demasiado buena, encontrado más negativas que positivas. La mayoría coinciden con lo que acabo de exponer: “Llega incluso incluso a manipular emocionalmente”
100 Metros (2016)
Director: Dani de la Torre
Dani de la Torre nos muestra la historia de un trabajador de la banca que, tras, como todas las mañanas, subir al coche para llevar a sus hijos al colegio y posteriormente llevarles al trabajo, recibe una llamada anónima que le informa que bajo su asiento hay una bomba que explotará en el momento que se levante del coche cualquiera de los ocupantes. Tras cerciorarse de que esto es verdad vive una frenética jornada en negociaciones con el interlocutor que se encuentra al otro lado de la línea telefónica.
A pesar de que parece una película de acción, en el trasfondo se encuentra una crítica a la situación que se ha vivido en nuestro país con los bancos y transmite un retrato del hartazgo de la población con políticos y banqueros que se ha vivido en esta época de crisis en nuestro país.
El protagonismo lo tienen dos de los que son para mí de los máximos exponentes de nuestro cine: Javier Gutierrez y Luis Tosar. Con una gran interpretación de estos dos actores, bajo mi punto de vista la película es floja en algunos puntos en los que se llega a hacer pesada por ser demasiado lenta. Sin embargo, es verdad que hay considerar como mérito que más o menos sabe mantener la tensión durante la mayoría del tiempo, habiendo tan solo prácticamente un escenario en toda la película.
Respecto a la crítica, igual que la mía, aunque en general es buena, encontramos disparidad de opiniones, destacándose sobre todo la interpretación de sendos actores y los aspectos técnicos de montaje y planos, y lamentando principalmente la “lectura política innecesaria que se le da en el final”, como dice Luís Martínez en el Mundo.
El desconocido (2015)
Director: Rodrigo Sorogoyen
El filme que Rodrigo Sorogoyen lanzó en 2018 nos narra la historia de Manuel, un vicesecretario autonómico que, por su relación con la cúpula del partido, prepara el ascenso a la política nacional. Tras algunas investigaciones de la Guardia Civil y nuevos fichajes para lavar la imagen del partido, salen a la luz distintos casos de corrupción que dejan fuera de la política a Manuel y empiezan a demostrar que no es una manzana podrida, sino que existe una trama sistemática en toda la estructura del partido.
Manuel, interpretado por Antonio de la Torre, encarna un personaje que se nos hace a todos muy familiar. Muy real. Un político corrupto, cínico y sin escrúpulos que, durante la primera década del siglo, vive una vida llena de lujos que paga con el dinero que, junto a sus compañeros de partido, roba con malversaciones y comisiones de constructores.
De esta manera Sorogoyen lleva a la pantalla una historia como muchas que hemos visto durante los primeros años de este siglo. Demasiadas. Bajo mi punto de vista es una gran película, con excelentes interpretaciones y que ilustra de una manera muy real, a la vez que intensa y emocionante, el hecho que hemos hablado que el director nos ilustra. Con una grandísima interpretación de la Antonio de la Torre, pero también de todo el Elenco, tan solo algunas escenas que se me hacen algo exageradas y surrealistas son la pega que le pongo. La escena final me parece un perfecto culmen que convierte toda la crítica que se hace con la película en un discurso hablado.
Con 7 premios Goya, entre muchos otros galardones tanto nacionales como internacionales, el filme tiene una magnífica crítica excepcional como Carlos Boyero en El País: "Sorogoyen cuenta esta abyecta historia con un poderío visual que crea adrenalina en el espectador. La cámara hace prodigios (...) no solo es una muy buena película. También era necesaria."
El reino (2018)
Director: Daniel Sánchez Arevalo
Héctor, un chico de 17 años huérfano y que solo tiene a su hermano mayor en la vida, lleva los dos últimos viviendo en un centro de menores. Con dificultad para socializar y sufriendo burlas de sus compañeros intenta escaparse continuamente a pesar de quedarle tan solo meses para cumplir la mayoría de edad. En un programa de reinserción con perros establece una relación de amistad con uno al que llama oveja. Cuando este es adoptado por una familia Héctor se fuga definitivamente del centro en busca del perro, lo que le permitirá reencontrarse con su hermano.
Daniel Sánchez Arévalo ha hecho una de esas películas con las que todos nos sentimos identificados con el protagonista, sin ni siquiera haber tenido una experiencia parecida a la suya. La una gran actuación de Biel Montoro está muy bien acompañada por quien interpreta a su hermano, Nacho Sánchez, quien estuvo nominado al Goya a mejor actor revelación. La crítica es bastante buena en general para una película que, bajo mi punto de vista, pretende emocionar más de lo que realmente transmite.
Enrique Marchán
Director: Fernando Trueba
Pocos años antes de la Guerra civil, Fernando, un joven que decide desertar del ejército se refugia en casa de un peculiar pintor junto a él y sus cuatro hijas, con las que mantiene sucesivas relaciones. Entonces, Fernando, le surge la duda de cual de ellas se habrá enamorado.
Con un excelente reparto como son Fernando Fernán Gómez, Jorge Sanz o Penélope Cruz, Fernando Trueba realiza una película en la que con una magnífica ambientación y una imagen en la que continuamente predominan los colores claros, transmite una sensación de libertad en la que el director quiere ahondar, a pesar de ser años atrás a la dictadura. Otro de los elementos obligados de destacar es el guion, el cual absorbe por completo la atención del espectador de principio a fin. Fue reconocido por la academia con él Goya a mejor Guion original.
Por supuesto, como ya hemos señalado, otro gran toque de calidad de la película es la gran interpretación de los protagonistas que consiguieron ser galardonados nada más y nada menos con mejor actriz, Ariadna Gil, mejor actor de reparto, Fernando Fernán Gómez y Chus Lampreave con el de mejor actriz de reparto. Desde luego recordando los reconocimientos hay que ganó el Oscar a mejor película extranjera.
Enrique Marchán
Belle Epoque (1992)
Director: José Luis Cuerda
Un ingeniero español que imparte clase en la Universidad de OKlahoma, regresa a España para pasar un año sabático. Entonces descubre que su padre a matado a su madre y para consolarle por la perdida le regala una moto con sidecar con la que viajarán juntos. Así, llegan a un peculiar pueblo en el que precisamente es el momento del año en el que mediante lecciones eligen al alcalde, al cura al maestro y a la puta. En este lugar también encontrará muchos otros personajes únicos llegados desde fuera.
Amanece que nos es poco, junto a la lengua de las mariposas, es la joya de la corona de la filmografía del genio español del surrealismo de finales de siglo, José Luis Cuerda. Una película que no tiene ningún tipo de sentido ni lógica, consigue hacer una clara crítica a muchos de los estamentos y sectores de la sociedad de la época. Recurriendo a los personajes más inverosímiles y todo tipo de escenas surrealistas, Cuerda consigue con un humor absurdo que probablemente no estaría aceptado en el cine actual por políticamente incorrecto.
En mi opinión, es un largometraje difícil de entender, más aun actualmente, pero en el que si entiendes el humor y la ironía absurda, puede llegar a ser una obra de arte.
Enrique Marchán
Amanece que no es poco (1988)
Director: Fernando Trueba
Marco Ferreri dirige la película en 1960, época que hizo que el guion original tuviese que ser modificada por la censura franquista. Ferreri nos cuenta a través del papel que interpreta Pepe Isbert la historia de un hombre mayor que se fuga de su familia para gastar toda la herencia en un una silla de ruedas con motor, igual que la que llevaban la mayoría de sus amigos.
A pesar de verse obligada a sufrir cambios, esta película consigue hacer de manera clara y precisa una crítica social de la época. En blanco y negro, es una de esas película que actualmente podríamos decir de forma coloquial “que da pereza ver”, sin embargo tanto la trama y el guion, como ya he comentado, esconden una gran historia. Además, teniendo en cuenta que hablamos de una producción de la España de 1960, en lo que se refiere al aspecto técnico, pocas pegas se le pueden poner. Por su parte, otro de los puntos fuertes es la excelente interpretación de Anselmo por parte del mítico Isbert.
Enrique Marchán
El Cochecito (1960)
Director: José Luis Garci
Un famoso escritor, interpretado por Antonio Ferrandis, tras vivir durante años en California como profesor de literatura y recibir el premio Nóbel, vuelve a su ciudad de nacimiento, Gijón. Así entonces asistirá al reencuentro con su amigo de la infancia y un antiguo amor.
José Luis Garci consiguió gracias a volver a empezar ser el primer español en ganar el Oscar a mejor película extranjera. A pesar de que fue algo criticada por "no tener tanto nivel como para este reconocimiento", tanto el guion, que sitúa a España en la vanguardia de las artes a la que pertenece y con un trasfondo que emociona al espectador, el excelente protagonismo de Antonio Ferrandis, acompañado por los soberbios actores Encarna Paso y José Bódalo y una perfecta armonía de la música con la historia, bajo mi punto de vista hacen que el galardón de la academia de cine norteamericana se recibiese con todos los méritos.
Es una de esas películas en las que una historia entretenida e interesante te hace estar absorto ante la pantalla, lo cual no es en el cine tan difícil de conseguir. Sin embargo, a esto sumarle escenas de esas en las que sientes ser el propio protagonista de la emoción que pueden llegar a causar, es solo producto de los más grandes en esto del séptimo arte.
Enrique Marchán
Volver a empezar (1982)
Director: Luis García Berlanga
Luís García Berlanga nos sitúa en un pequeño pueblo de la época (años cincuenta), en el que no suele pasar nada. Sin embargo, el mismo día que esperan la llegada de una famosa cantante, el alcalde recibe la noticia de que un comité Norte americano enviados del proyecto Marshall irá a visitar el pueblo, lo que formará un gran revuelo e implicará a todos sus habitantes en organizar la recepción.
Citada en algunas críticas como “la primera gran película española”, Bienvenido Mr. Marshall es una parodia de las ayudas económicas que EEUU prometió a España. Así con humor, encargado de hacer una sátira y también de saltar la censura del régimen franquista, podemos ver como el comité americano, al igual que sucede realmente con las ayudas, crean una gran expectativa en el pueblo para finalmente pasar de largo. Una ingeniosa burla, propia de una época en la que escaseaban muchos recursos en los rodajes, principalmente la libertad de expresión. El mítico actor español de mediados de siglo, Pepe Isbert, es quien interpreta al alcalde del pueblo.
Enrique Marchán
Bienvenido Mr. Marshall (1953)
Director: Raul Arévalo
José, tras perder a su mujer asesinada en un robo en la joyería de sus padres, se intenta relacionar con el círculo de amigos de los que él piensa que son los responsables del atraco. Con su timidez y peculiar forma de ser, irá atando cabos hasta poder ejecutar su venganza.
Raúl Arévalo, tras cosechar grandes éxitos en el reparto de películas como La Isla Mínima (Alberto Rodríguez) o También la lluvia, (Icíar Bollaín), en 2016 debuta en el papel de director con Tarde para la ira, demostrando que desde la silla y con el megáfono también puede hacer grandes cosas para el cine. Una película violenta y rápida en la que seguramente su mayor acierto es no haber ni un solo minuto de relleno. En la escasa hora y media del largometraje en ningún momento da la sensación de haberse detenido un ritmo qué, para más inri, conforme avanza cada vez es más vertiginoso.
Rematando con un final de esos con los que uno se dice a sí mismo “qué gran acierto haber elegido ver esta película”, Arévalo demuestra que con los justo y necesario y sin llegar a la hora y media se puede hacer una gran obra cinematográfica.
Por supuesto cabe mencionar en cuanto al reparto la gran interpretación de Antonio de la Torre, en una papel de hombre apaleado por la vida, en el que parece un poco encasillado.
En el debut de este director se pudo ver un estilo propio, que es cierto que refleja la influencia de algunos de los directores con los que trabajó anteriormente como actor.
Enrique Marchán
Tarde para la ira (2016)
Director: Cesc Gay
Cuando Tomás se entera que Julián, su amigo de la infancia, tiene una enfermedad terminal, decide volar desde Canadá donde vive junto a su familia y da clase en la Universidad, hasta Madrid para pasar unos días con su amigo e intentar convencerle que luche por vivir. Este reencuentro les vale ambos para pasar unos días en lo que podrá ser una despedida.
Con el protagonismo de Ricardo Darín, como Julián y Javier Cámara, quien interpreta a Tomás, la actuación de ambos es bastante buena, sin llegar a deslumbrar. Por su parte Cesc Gay crea un drama en el que no renuncia a nada. A pesar de ser una película marcada por el triste acontecimiento que sucederá al personaje de Darín, hay tanto escenas que inspiran alegría, como emotivas e incluso un sutil toque de comedia.
Gay trata un tema tan sensible como el cáncer con la inteligencia de no hacerlo ni mucho menos superficial, ni convertirlo en un simple complemento de la película pero con el cierto toque humorístico que consigue que la película no sea un drama de esos que te amargan el día. El personaje conector y que da nombre a la película, Truman, es un perro que en el trasfondo de la historia tiene mucho más peso e importancia del que a primera vista puede parecer.
Enrique Marchán
Truman (2015)
Director: Isabel Coixet
En la Inglaterra de 1959, una mujer viuda recién instalada en un pequeño pueblo, decide abrir una librería, algo que nunca se había hecho antes en la zona y que provocará que los vecinos de clase alta que conviven en la localidad se opongan de manera educada a este negocio.
Isabel Coixet Con un reparto completamente extranjero entre las que encontramos a Emily Mortimer (nominada al Oscar y al Globo de Oro a mejor actriz protagonista por esta película) y Patricia Clarkson, plasma en la gran pantalla la novela de Penélope Fitgerald publicada en 1978. Una historia emotiva y delicada, que busca homenajear a todos aquellos escritores y amantes de los libros que han luchado por colocar la lectura como un bien necesario en la sociedad.
Muy bien recibida en España, a la crítica internacional no terminó de convencer. Bajo mi punto de vista, lo más destacable es la interpretación de las dos actrices protagonistas, siendo una película que por momentos se ve demasiado forzada a adaptar la novela original.
Enrique Marchán
La librería (2017)
Director: Cesc Gay
Está producción argentina, dirigida por Damián Szifron, es una consecución de 6 historias, con personajes y tramas completamente distintas entre las que lo único que hay en común es la brutalidad y la ira que encarnan sus protagonistas y el humor negro que esconden.
Con un buen reparto, sobresaliendo por supuesto el de Ricardo Darín, el formato de sucesión de cortos que por lo menos a mi parecer, puede dar un poco de pereza, una vez vista descubres que es un gran acierto. Seis historias que de forma individual no conseguirían de ningún modo la atención y el éxito que tuvo Relatos Salvajes y que sería un autentico error intentar juntar todas en una. Un formato que, a pesar de que como ya he dicho antes no me llama la atención, en este caso dotan a la película de una particularidad que le da mucha fuerza.
Otro de los logros que merece la pena reconocerle a Szifron es el orden en el que aparecen los relatos. Con una agresividad y punto de locura ascendente consigue mantener la tensión en todo momento.
Todas las historias tienen algo especial que muestra el salvajismo de la raza humana.
Enrique Marchán
Relatos salvajes (2014)
Director: Pedro Almodóvar
Robert Ledgard, un prestigioso cirujano plástico, perdió a su mujer a causa de quemaduras por todo el cuerpo producidas en un accidente de tráfico. Desde entonces investiga para poder crear una piel que sea resistente a cualquier agresión, una armadura, pero que a su vez sea sensible al tacto. Para llevar a cabo esto necesita experimentar con personas vivas y someterles a pruebas y operaciones a las que jamás nadie se sometería.
Una película en la que Almodóvar arriesga, poniendo a prueba algo que nunca antes había hecho, muy alejada de su estilo. En mi opinión es una gran idea, que no fue ejecutada de la manera ideal. Una historia difícil de representar sin llegar a parecer absurda y osada, pero que sin embargo el director manchego estuvo a punto de conseguir. Se podría decir incluso que recuerda en cierto modo, a un intento de imitación del estilo de Kubrick, con mal resultado. Una acumulación de fallos que, sin embargo, consigue un buen producto.
Respecto al reparto, con nombres que llaman mucho la atención como Marisa Paredes, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Roberto Álamo, Elena Anaya y por supuesto el protagonismo de Antonio Banderas, quizás se esperaba más de lo que se consiguió. En cuanto a la interpretación del actor malagueño, con una crítica muy negativa tildada incluso como "cómica sin pretenderlo", bajo mi punto de vista es un gran trabajo pero que sin embargo no se acerca ni de lejos a los mejores.
Enrique Marchán
La piel que habito (2011)
Celda 211 (2011)
Director: Daniel Monzón
Un funcionario de prisiones (Alberto Amman) el primer día de su nuevo destino se enfrenta a un motín, por lo que para salvar su vida tendrá que hacerse pasar por un preso. La revuelta la encabeza por Malamadre, uno de los presos más peligrosos (Luis Tosar). El problema será si será posible guardar en secreto su verdadera identidad.
Daniel Monzón consigue hacer una película de acción con un trasfondo de crítica social que lo que busca es mostrar al gran público que cada recluso de la cárcel es una persona, sacándoles, a tiempo parcial, del estereotipo en el que se les suele clasificar de bestias indeseables.
Siendo el comienzo, el momento cumbre de la película, Monzón consigue que la tensión y el interés de la película no vaya a menos en ningún momento, eso si reduciendo progresivamente la agresividad con la que se desarrollan las escenas.
Luis Tosar, interpretando al cabecilla del motín, Malamadre, e impostando esa voz ronca, para mi aun a día de hoy sigue siendo el mejor papel que ha interpretado en su carrera y dejando este personaje para la historia del cine español. También merece la pena mencionar el resto del reparto entre los que encontramos nombres como Alberto Amman (el cual firma también un papel sublime reconocido con el Goya a actor revelación), Carlos Bardem, Antonio Resines o Marta Etura.
Enrique Marchán
Quien a hierro mata (2919)
Director: Paco Plaza
Mario es enfermero en la residencia de ancianos de un pueblo de Galicia y es querido por todo el mundo. Cuando recién salido de la cárcel entra en la residencia uno de los mayores narcotraficantes de la zona, Mario le trata como a cualquier otro residente intentando que esté los más a gusto posible. Pero los hijos de Antonio, el narcotraficante, que son quienes se encargan ahora en el negocio de la droga, meterán al enfermero en medio de los problemas familiares.
La actuación de Tosar, no es ni de lejos una de sus mejores actuaciones, quedando además completamente eclipsado por las dos principales fuentes de calidad de la película: la ambientación e imagen que consigue Paco Plaza con la ayuda de Pablo Rosso en la fotografía y la soberbia interpretación de Enric Auquer. Un joven actor, con una participación bastante discreta en anteriores películas, que ha demostrado con creces sus dotes interpretativas y el poder que llega a dar a su personaje en la gran pantalla. Esto le fue fue reconocido con el Goya a mejor actor revelación.
Bajo mi punto de vista es una buena película con mucha fuerza que con una mejor actuación de Tosar y una mayor profundización en el tema del narcotráfico, podría haber llegado a ser mucho más de en lo que se quedo.
Enrique Marchán
1989. Los últimos de Filipina (2016)
Director: Salvador Calvo
A finales del siglo XIX, en plena descomposición del imperio español, un destacamento de su ejercito se encuentra rodeado por los indígenas de una Isla de Filipinas. Con la firma del tratado de París en la que España y EEUU ponen fin a la guerra llevada a cabo por estas colonias, lo que dejará abandonado a este destacamento, nombrándoles así “Los últimos de Filipinas”.
Es una película histórica que pretende ser bastante fiel a la realidad, con una fórmula de película fácil hecha para grandes audiencias: mucha acción y poca profundidad. Salvador calvo da a la perfección con la clave de esta fórmula, ya que, sin caer en incoherencias históricas, consigue crear un gran producto.
Por supuesto la gran dirección y puesta en escena del largometraje se ve reforzada con el estelar reparto en el que se encuentran actores de gran renombre: Luis Tosar, Álvaro Cervantes, Javier Gutiérrez, Karra Elejalde, Eduard Fernández, Patrick Criado… Uniendo a prácticamente todos los mejores nombres masculinos de los últimos años, solo faltarían Antonio de la Torre y Raúl Arévalo para haber formado un Dream Team de nuestro cine.
Enrique Marchán
El niño (2014)
Director: Daniel Monzón
Dos amigos de clase baja, el Niño (Jesús Castro) y el Compi (Jesús Carroza), viven en unos de los puntos calientes del narcotráfico en el sur de España. Con el contacto de un amigo del Compi deciden cruzar a Gibraltar para adentrarse en el mundo del tráfico de drogas y cruzar el estrecho con una motora cargada de fardos de Hachís. Mientras, Jesús (Luis Tosar) y Eva (Barbara Lennie) son dos policías que buscan desmantelar a uno de los cabecillas que dirige las grandes transacciones de narcotráfico de la zona.
Daniel Monzón, 5 años después del gran éxito con Celda 211, en 2014 vuelve a la gran pantalla con El Niño, una película que con dos historias paralelas, por un lado la policía y otro los delincuentes, que desde el principio nos imaginamos que inevitablemente se terminarán cruzando, nos ilustra el panorama del tráfico de drogas que entran por los puertos gaditanos.
Una película con mucha acción, fácil de esas que está únicamente para disfrutar. Sin ser una gran obra cinematográfica, personalmente es un filme que disfruto mucho, habiendo llegado a ver más de 5 veces.
Enrique Marchán
Intemperie (2019)
Director: Benito Zambrano
Un niño que vive en un pueblo un verdadero infierno decide un día escapar de él por la gran llanura que lo rodea. El capataz, obsesionado con su búsqueda, obliga a todos los hombres aponer en marcha su persecución, utilizando además las más despreciables técnicas para conseguir encontrarlo. Por suerte el niño se encontrará con un pastor que le ayudará a refugiarse.
Basada en la novela de Jesús Carrasco, Zambrano nos demuestra una vez más que España es un territorio en el que sin ningún problema se puede grabar un western. Con unos planos muy característicos al director y que no solemos ver en este tipo de películas en lugares tan amplio, Benito Zambrano junto a Daniel y Pablo Remón consiguió hacer un buen guion adaptando la novela a la gran pantalla. Sin embargo, el producto final, a pesar de que transmite todo lo que el director pretende y bajo mi punto de vista es una gran película, no es todo lo que podría ser. Cuando acaba se queda un sabor de boca agridulce, con la sensación que con la materia, se podría haber conseguido más.
Enrique Marchán
